EL COVID-19 PONE EN GRAVE RIESGO EL ARTE Y LA CULTURA

El arte y la cultura están sufriendo un fuerte golpe con la emergencia sanitaria a raíz de la pandemia mundial causada por el corona virus.

Estos espacios sensibles, que han proporcionado por siglos enormes beneficios a la sociedad de cada tiempo y han embellecido al mundo a través de su legado testimonial como patrimonio cultural y material de la humanidad, no solo son y representan áreas culturales, sino que también son una fuente de trabajo, para los artistas, gestores culturales, curadores, críticos de arte y sus familias, por lo que el covid-19 está poniendo en peligro una cantidad significativa de empleos.

Calles de Madrid  sin gente por corona virus

El cierre de espacios y el cese de actividades culturales, pone en conflicto la sobrevivencia de todas las artes del país, al tiempo que limitará la creación contemporánea que está en riesgo de desaparecer, son numerosas, las repercusiones económicas y el impacto que todo esto pueda tener en el aparato cultural y el turismo, con el cierre de todos los museos de la nación, exposiciones, programas y proyectos de temporada varados, tienen como única víctima y afecta de manera directa a los artistas y sus gestores culturales.

Es muy grande la eventualidad causada por el covid-19, poniendo en vilo la situación actual del sector artístico y cultural, que hizo que volviéramos a ver las condiciones en las que se desarrolla el arte y la cultura en sur América, carente de leyes de amparo y protección en cuanto a prestaciones de servicios sociales, ya que una buena parte de estas actividades se las desarrolla de manera autónoma.

Las medidas adoptadas para luchar contra el corona virus, no solo deben estar centradas una vez levantadas las cuarentenas, en la reanimación de la actividad productiva económica, y no así en la reactivación del arte y la cultura, un sector que ha demostrado su enorme potencial como puerto de conexión social, porque efectivamente cumple una función no solo educativa y patrimonial, sino también moral y ética. 

Es menester que los gobiernos de todo el mundo centren también su atención en las artes y la cultura que tantos bienes le han otorgado al mundo, son parte de la vida y en los peores escenarios pueden ser un aliciente, ejercer de guía y emisores. Los que hacemos arte y cultura no vamos a poder salir de esta situación, si no es con el apoyo del gobierno y de las instituciones privadas, instamos también a los gobiernos a ofrecer condonaciones de deudas e impuestos, a todas las instituciones privadas que durante esta época crítica sanitaria van a subvencionar la cultura y el arte.

La inspiración artística en tiempos de corona virus

ALEJANDRINO PÉREZ ARAGÓN

EL LEGADO DEL MAESTRO ALEJANDRINO PÉREZ ARAGÓN

El Maestro Alejandrino Pérez Aragón nacido en 1887-1958, fue uno de los primeros fotógrafos de Tarija, su trabajo se traza remontándose al año 1905, época en que se registra el Patrimonio Documental Fotográfico de Tarija quedando inmortalizada en el tiempo de aquel momento, a través del arte de pintar con luz, en una nuestra fotográfica de inmensurable belleza.

Exposición Fotográfica del Maestro Alejandrino Pérez Aragón

 “Mujeres de 1910 – 1950”

Las fotografías del Artista Pérez Aragón, nos evocan a un pasado distante y cercano al mismo tiempo, rostros femeninos en los cuales podemos interpretar  nuestras propias vivencias y registrar en el claro oscuro nuestra estirpe. El Maestro Alejandrino fue un poseedor  de un extraordinario talento que supo extraer de la fotografía y nos ofrece esa capacidad de captar ese instante perdurable de la vida, al que no podemos regresar jamás,  pero si podremos evocarlo al presente.

Cada detalle que el Maestro Alejandrino imprimo en estas fotografías, donde hay expresión y emoción  que se muestra en el contraste o el brillo, si influyen en lo que la persona va a comprender al mirar la obra que el Artista nos dejó, su especial relación del Maestro con la campiña chapaca, la vida cotidiana y sus retratos familiares, se muestran en sus primeros trabajos y se expresan en estos delicados y frugales rostros femeninos, inmortalizándose también ha el mismo en su obra.

AVELINA LÉSPER

¿QUIÉN ES AVELINA LÉSPER?

Avelina Lésper es la Crítica de Arte mexicana más prominente del siglo XXI, autora del prestigioso libro El fraude del arte contemporáneo, en lo personal siento una profunda admiración por la manera en que Avelina Lésper, ha restituido verdades subjetivamente dañadas por el arte contemporáneo.

Con estas palabras que sin duda alguna sellarán su impronta indeleble en la crítica de arte de este tiempo, se emprende la alegoría reflexiva del libro El fraude del arte contemporáneo.... Estamos en un momento culminante en la historia del arte. Hoy en día, lo que antes denominábamos con esa palabra se transformó en una ideología, en una ortodoxia tan cerrada que no le permite a sus críticos ninguna posibilidad de verificación. Algunos de los dogmas que han establecido los teóricos del arte contemporáneo son bastante familiares para todos nosotros: el concepto y el contexto transforman los objetos en arte; el arte son ideas, no obra; todo el mundo es artista; cualquier cosa que el artista designe como arte es arte y, por supuesto, el curador tiene supremacía sobre el artista.

Lésper es célebre por la forma conservadora de abrir el debate crítico, por su capacidad de establecer sus puntos de vista sobrios y juiciosos, generando polémica en los círculos de élite academia y por estar en estrecha oposición con aquellas corrientes de arte contemporáneo que ella denomina Arte VIP, el performance, el videoarte y la instalación. Hoy en día una sociedad sana requiere debates profundos y serios sobre las enormes contradicciones que genera el arte contemporáneo, y es precisamente Avelina Lésper quien nos ofrece esa amalgama discursiva retórica y poética. 

Para Avelina Lésper, las ocurrencias no son arte, como ha pretendido demostrar en más de 100 años el arte contemporáneo, entre sus citas más conocidas resaltan: 

- El arte de cobrar millones por chatarra.
- Las obras, al carecer de un valor estético que las justifique como arte, necesitan que se les adjudique un valor filosófico.
- Ninguna obra que este Pre-Hecha y no tenga la intervención individual de un artista es arte.
- El discurso curatorial es el discurso del mercado, el curador es un vendedor.
- Democratizar la creación artística, como pedía Beuys, democratizó la mediocridad y la convirtió en el signo de identidad del arte contemporáneo.
- El genio no es un mito. La educación  forma a los genios. El talento es una parte, pero la formación rigurosa y el trabajo sistemático hacen que los estándares de resultados sean más altos y por consecuencia el nivel artístico sea cada vez mejor. 

De acuerdo con Avelina, el artista contemporáneo vive en una burbuja, no tiene contacto con el publico, niega la crítica que no le es favorable y si el publico no va a la sala es porque no entiende, y nunca por su obra deje insatisfecho al espectador o porque se perciba como una farsa. Este anti-arte no es para el publico ni para el museo, es una practica endogamia para sus curadores, críticos y artistas. 

Arte Contemporáneo https://www.youtube.com/watch?v=J-5_RpfHbVI 

Las acepciones de Avelina Lésper, están en franca oposición con el Anti-Arte y van en defensa del talento, de la creatividad, la disciplina, y la sucesión de los Movimientos Artísticos tan ausentes hoy en día por el exceso de artistas VIP que rehuyen del arte clásico.

¿POR QUÉ VOLVER A LO CLÁSICO Y  NO SEGUIR FAVORECIENDO AL ANTI-ARTE?

El retorno a lo clásico al Neo-clasicismo-moderno, supone la recuperación de los estándares estéticos y objetivos del arte, supone la valoración de la experiencia profesional, del talento y la disciplina adquirida, este sentido posibilita clasificar al arte contemporáneo dentro de un sistema de ponderación numérico y literal;  regular, pésimo o excelente,  y  es menester hacer alarde en esto, para traer de vuelta los estándares universales al mundo del arte y defender la enseñanza académica, que hoy aun encuentra una fuerte resistencia y menosprecio entre los defensores del arte contemporáneo.

EN EL RIGOR DE LA DISCIPLINA, RADICA  LA SUPREMACÍA DEL ARTE

El Estado Actual del Arte Contemporáneo

El estado actual del arte contemporaneo, es precisamente el mejor momento para hacer un análisis y reflexión sobre su comportamiento y dinámica habitual.

Una mirada vertiginosa al ambiente que rodea al mundo del arte, permite evidenciar que  aún prevalecen y cohexisten las reinterpretaciones UltraConceptualistas del pasado, que han venido respaldando una falsa estética y lógica irracional, como resultado de filosofías proveídas en su mayoría por la teoría crítica y la tesis curatorial, que junto al beneplácito de las instituciones artísticas hicieron de los objetos y sus ideas OBRAS DE ARTE, además sustentan y acreditan una y otra vez la falsa idea de que todo el mundo puede ser artista y todo puede ser catalogado como arte, desvalorizando con ello la capacidad creativa de los auténticos artistas.

El absolutismo que impera y hiere  al mundo del arte, exento y carente  de valores morales y éticos, impregnado por una proliferación aceptable del escándalo y la liviandad que usa al arte como medio de soporte y propagación de  obras verdaderamente escatológicas, realizadas muchas veces con  fluidos, sangre, carne, orina y sudor, son las vanguardias de este tiempo.

Franco B, Tania Bruguera, La mujer de Rojo, Beatriz Preciado, Parole de queer, Abel Azcona, La habitación, Deborah de Robertis, Espejo de origen, Jamie McCartney, Vaginas de yeso, Apollonia Saintclair, Arte erótico, Alejandro Archondo, Gráfik erótik y Hermann Nitsch y sus exhibiciones religiosas paganas. 

Todas estas acciones consentidas y sus  particularidades son los medios utilizados para dar lugar a una excesiva liberación del arte y de sus pseudo-artistas, que son los propagadores de tanta banalidad desenfrenada a disposición de todos. Algunos artistas han cruzado los límites permitidos entre la moral y la ética, con arriesgadas propuestas de arte pornográfico, erótico y posporno dando rienda suelta a un libertinaje con exceso de la supresión de todas las leyes y reglas establecidas por la sociedad.

Ines Doujak, et al, La bestia y el soberano, Wilfredo Prieto, Vaso con agua medio lleno, La paleta de Malevich, Damien Hirst Jeff, Tiburón formalizado, Anish Kapoor, La vagina de la reina, Marcos Ávila Forero. Plátanos con mensajes grabados en las cáscaras, Richard Serra, Modelo de caucho y Allen Jones, Mujeres muebles.

Lastimosamente algunas instituciones artísticas no están desempeñando su rol fundamental el de educar a través del arte al hospedar esta clase de trabajos, y las instancias académicas no se pronuncia al respeto o son parte de todo este descontrol. 

No hay una fiscalización objetiva institucional que censure de manera formal estas prácticas nocivas e insensibles que han deformado la estética con la consiguiente perdida de los valores formales enseñados en la academia, interrumpiéndose con ello la ascensión de más de mil años de construcción, perfección y excelencia en el arte.

Incito a los artistas  emergentes a no abandonar los pilares fundamentados de la academia, la técnica, el oficio, la calidad, la perfección y la excelencia que son los elementos contrarrevolucionarios del falso arte.

The Phenomenon of Eroticism

La supresión de normas sociales y legales ausente en las vanguardias de nuestro tiempo.

Un Vaso con Agua (Menaje de Cocina)

Vaso de agua medio lleno» de Wilfredo Prieto       

La impronta que deja a su paso la feria más importante del mercado de arte ARCO, es el sitio promisorio para la exposición y venta de obras como el vaso de vidrio con agua que expuso hace un par de años el cubano Wilfredo Prieto, con un coste de 20.000 euros, objetos como este son el conjunto de muestras que engalanan esta feria. Seguramente los mecenas de la feria y los galeristas de Prieto creyeron que había llegado el momento oportuno para saciar la sed de arte de su público concurrente.

El perfil de exponentes Ultra-Conceptualistas sigue expandiéndose, a estas alturas el mercado de arte certifica todo lo que puede y la pseudo-fama legitima el precio de la mercadería ostentada.

El modelo de negocio de compra y venta de arte impuesto, ha creado todo este desbarajuste que hoy es el imperio mediocre de los falsos artistas, que se atreven a dar explicaciones y acepciones absurdas como las Prietianas que manifiestan, si alguien roba esta pieza se la puede reponer, son obras democráticas y piezas únicas, como solo ellos son los que pueden reponer las piezas, no admiten otras reproducciones porque serian solo copias.

De hecho todos tenemos un auténtico Wilfredo en casa, un vaso con agua, que puede reproducirse miles de veces y con mejores servicios que el menaje de cocina del cubano.

¿En qué momento nos separamos tanto de los cánones estéticos del arte?, en el momento en que este objeto fue admitido como arte vulneramos la autenticidad del buen arte, ni los elementos discursivos, ni las experimentaciones como objetos filosóficos, ideados en vanas realidades, van a justificar y legalizar que este menaje de cocina sea lo que es, un vaso de vidrio con agua que no vale gran cosa.

Todo este daño al arte hace que la crítica se replantee un debate formal sobre la legitimidad del arte contemporáneo.